1- Homenagem Aos 50 Anos de “Mulheres Apaixonadas” (1969) de Ken Russell, Um dos Clássicos do Erotismo na História do Cinema, Dentre Outros Temas Abordados.
Sinopse Anos 20, Beldover, cidade mineira da Inglaterra. Ao se retratar dois interessantes casos de amor também é mostrado os relacionamentos, personalidades e modo de pensar de duas mulheres e dois homens. Gudrun Brangwen (Glenda Jackson) encara relacionamentos como algo de praxe, enquanto que sua irmã, Ursula Brangwen (Jennie Linden), vê o amor como algo puro e simples, uma ligação permanente. Gudrun se envolve com Gerald Crich (Oliver Reed), que é um proprietário de mina e encara um relacionamento como uma posse. Já Ursula se relaciona com Rupert Birkin (Alan Bates), um inspetor escolar que é o melhor amigo de Gerald e tenta definir o amor entre homem e mulher e entre homem e homem. Enquanto Rupert e Ursula têm um terno caso de amor, Gerald e Gudrun tem uma relação tempestuosa. Mas Rupert precisa de outro tipo de afeto. Elenco de “Mulheres Apaixonadas” Alan Bates (I) Rupert Birkin Alan Webb Thomas Crich Alex 'Alien' Russell Barrie Fletcher Miner Brian (I) Osborne Miner Catherine Willmer Mrs. Crich Charles Workman Gittens Christopher Ferguson Basis Crich Christopher Gable Tibby Lupton Eleanor Bron Hermione Roddice Glenda Jackson (I) Gudrun Brangwen James Laurenson Minister Jennie Linden Ursula Brangwen Leslie Anderson Barber Michael Garratt Maestro Michael Gough (I) Tom Brangwen Michael Graham Cox Palmer Nike Arrighi Contessa Norma Shebbeare Mrs. Brangwen Oliver Reed (I) Gerald Crich Fonte: https://filmow.com/mulheres-apaixonadas-t5439/ Vide “Mulheres Apaixonadas”- Filme Completo – com legendas em espanhol, no capítulo 2, item 6. “Mulheres Apaixonadas” é considerada uma das melhores adaptações da Literatura para o Cinema, no caso do livro homônimo de D. H. Lawrence, um dos mais polêmicos escritores da Literatura Universal. Ainda é tido como um dos filmes mais eróticos já realizados. Há uma sequência antológica, onde Gerald (Oliver Reed) trava uma luta corporal com Rupert (Alan Bates), ambos nus, com forte acento homoerótico, principalmente ao seu término. (Vide item 5 do capítulo 2 )
Como Pasolini, D. H. Lawrence era alérgico à sociedade industrial. Gerald, proprietário de Mina, vai sentir estas contradições na própria pele, além do fato de, ao contrário de Rupert, não saber o que fazer dos sentimentos homoeróticos que viu em si despertados. Esses sentimentos associados ao fato de estar bastante confuso em relação ao que o atrai em Gudrun, uma mulher bastante libertária e provocadora nesta era de moral ainda vitoriana, vão conduzi-lo à um processo de autodestruição. Certos filmes tem o poder de mudar vidas e assim, indiretamente, o mundo muda, quando as pessoas passam o que sentem à outras. Tendo visto numa sessão de Cinema de Arte do Cinema do CTA ( Centro Técnico Aeroespacial de São José dos Campos) em 1975, saí completamente chapado com a força estética do filme e com o que, com dificuldade, chamamos de conteúdo, pois a rigor temos um amálgama de forma e conteúdo em toda obra de arte. Um grande amigo que também era gay, comungou do meu entusiasmo. Mas ao me aproximar de “amigos” meus iteanos ( alunos do ITA como eu) integrantes do CASD ( Centro Acadêmico Santos Dumont), para o qual eu trabalhava no Jornal Mural, fazendo uma parte de Cultura sozinho, parte mais lida pelos alunos, de modo geral, do que a de Política ( e me expunha bastante, em plena Ditadura Militar, pois era eu que o colocava em murais nos mais variados lugares do ITA), .........recebi de cara uma grande ducha d’água fria, que me marcou para sempre e não me senti nem um pouco à vontade para expressar minhas emoções. Este pessoal, autoproclamado de esquerda, fazia pilhéria de “Mulheres Apaixonadas”: “São dois burgueses tão entediados com a vida, que resolvem então $#@%¨&* .....” Como se a homossexualidade numa pessoa não fosse algo imanente, com que se nasce e sim pudesse vir como simples produto do tédio, da preguiça. Assim duas lições ficaram para sempre: 1- Deveria encarar cada vez mais minha homossexualidade de frente. Negligenciar pode levar a um caminho de baixa estima e autodestruição. 2- Sou atraído por ideais de justiça e de quebras de grandes desigualdades sociais, ditos de esquerda. Mas nunca me filiei a um partido político e sempre tive um pé dentro, um pé fora, pois sei como há pessoas de esquerda autoritárias, cegas, fanáticas, obtusas em relação aos costumes, homofóbicas etc. O que aprendi melhor mais tarde quando entendi Cuba e sua revolução pelos olhos do escritor Reinaldo Arenas, através de seu essencial “Antes Que Anoiteça”(1992), Vide Capitulo 2, item 10, dentre outras obras e filmes.
Alan Bates como alter-ego de D.H. Lawrence em "Mulheres Apaixonadas" (1969) de Ken Russell
Título original: Women in Love País de produção: Inglaterra Ano de produção: 1969 Gênero: Drama Direção: Ken Russell Elenco: Glenda Jackson, Alan Bates, Oliver Reed, Jennie Linden Idioma: Inglês Áudio: Dolby Digital 2.0 Legendas: Português Formato de tela: Widescreen anamórfico 1.66:1 Tempo de duração: 131 min. Região: 4 Cor: Colorido 2- http://www.adorocinema.com/filmes/filme-3069/creditos/ - Créditos 3- https://pt.wikipedia.org/wiki/Women_in_Love “Mulheres Apaixonadas” – Wikipédia 4- https://cultura.estadao.com.br/blogs/luiz-zanin/mulheres-apaixonadas/ Blogs Luiz Zanin Cinema, cultura & afins As informações e opiniões formadas neste blog são de responsabilidade única do autor. Mulheres Apaixonadas Luiz Zanin Oricchio 11 de dezembro de 2011 O diretor inglês Ken Russell (1927-2011), morto em 27 de novembro, teve com Mulheres Apaixonadas o seu primeiro “sucesso de escândalo”, como os franceses se referem a obras explosivas pelo lado polêmico. Revendo-se o filme, lançado agora em DVD, podem-se compreender os motivos. Tanto quanto uma adaptação deva ser fiel ao seu original literário, Mulheres Apaixonadas o é – pelo menos em relação ao espírito desta que é uma das obras mais conhecidas de D.H. Lawrence (1885- 1930). Para compreendê-la, precisamos nos lembrar do quanto era puritana e falsamente moralista a Inglaterra do tempo de Lawrence. Questões da sexualidade eram empurradas para baixo do tapete e, quem se atrevia a trazê-las de volta à sala de visitas, como era o caso de Lawrence, via-se logo execrado pela moral média. Ele falava dessas coisas que não se dizem nos bons salões. No limite, se pensam, mas em nome do bom gosto, devem ser caladas. Lawrence punha tudo a nu – com a devida licença da expressão. Russell, em plena explosão dos costumes do final dos anos 1960, começo dos 1970, retoma o texto e sua têmpera explosiva. Não traz a história para a o seu tempo contemporâneo, mas a deixa lá atrás, nos anos 1920. Faz um filme de época para contar a história de duas irmãs que se relacionam com dois amigos íntimos. O cinema de Russell, já se sabe, é super saturado. De cores e de interpretações intensas, beirando o exagero; às vezes o grotesco. Não chega aqui ao paroxismo de Os Demônios, baseado em Aldous Huxley, mas passa perto. Mulheres Apaixonadas é intensamente erótico, paradoxal, assertivo. Por baixo da chamada fleuma britânica – um clichê antropológico como outro qualquer – encontra uma sociedade em brasas. Pegando fogo. Literalmente. Glenda Jackson interpreta Gudrun, essa escultora fogosa. Sua irmã é Ursula (Jennie Linden), uma professora bastante mais convencional, ma non troppo. As duas se relacionam com dois amigos íntimos, Gerald (Oliver Reed) e Rupert (Alan Bates). Há, em especial por parte de Gerald, um desajuste em relação ao amor e ao desejo. Por vezes parece apaixonado por Gudrun; noutras, não pode amá-la. Mas também não suporta vê-la com um rival. O bicho homem é um paradoxo. Gerald encarna essa contradição. Do ponto de vista feminino, Gudrun é essa mesma ambivalência, simétrica, que vai da vontade de estabilidade à sua negação, o desejo da aventura. Essas tensões tornam o relacionamento explosivo. Mas, claro, não são tanto as ideias em debate que fizeram a fama deste filme, mas algumas cenas francamente ousadas para a época, embora hoje, com a banalização da sexualidade audiovisual, não pareçam tão excepcionais assim. Mas, pela intensidade com que são vividas, em especial por Glenda Jackson e Oliver Reed, o ator-fetiche de Russell, ainda nos impressionam. O filme ficou famoso também por uma longa sequência de luta entre os dois homens, completamente nus. Cenas de um realismo extremo, uma violência que confina com a ternura, em demonstração de amizade viril paradoxalmente marcada por uma pegada homoerótica. Se deu o que falar em 1969, essa sequência atravessa o tempo e se revela muito forte ainda hoje. Não envelheceu. Como, de maneira geral, não parece de maneira nenhuma antiquada essa versão bastante calorosa do clássico de D.H. Lawrence. Talvez seja um dos pontos sólidos da carreira de Ken Russell, um contestador que teve seus altos e baixos, mas nunca deixou sua lâmina sem o gume afiado. Esteticamente, o filme não parece datado. E suas ideias continuam valendo. Ambientado na Inglaterra conservadora da década de 20 do século passado, ainda têm o que dizer para os pseudoliberais do início do século 21. (Caderno 2) 5- Women In Love -- Wrestling Scene (1969)- A Luta Corporal entre Gerald (Oliver Reed) e Rupert ( Alan Bates )
Tribute * 1934-2003 was an English actor who came to prominence in the 1960s, a time of high creativity in British cinema, when he appeared in films ranging from the popular children's story Whistle Down the Wind to the "kitchen sink" drama A Kind of Loving. He is also known for his performance with Anthony Quinn in Zorba the Greek, as well as his roles in King of Hearts, Georgy Girl, Far From the Madding Crowd, and The Fixer, in which he received an Academy Award nomination for Best Actor. In 1969, he starred in the Ken Russell film Women in Love with Oliver Reed and Glenda Jackson. 8- Still Dangerous – The Films of Ken Russell When the dust has settled, and his envious detractors are long forgotten, Ken Russell may well be recognised as the greatest and most original of all British Filmmakers. – Alex Cox
9- http://ernestobabino.blogspot.com/2007/09/entrevista-ken-russell.html Impure Film Artigos de Blog Sobre Cinema Terça-feira, 25 de setembro de 2007 Entrevista: Ken Russell (Optando pela tradução automática do espanhol, haverá erros inerentes a este processo) 10- https://pt.wikipedia.org/wiki/Reinaldo_Arenas Reinaldo Arenas - Wikipédia 11- https://pt.wikipedia.org/wiki/Antes_que_anochezca “Antes Que Anochezca”- Wikipédia (Antes que Anochezca (publicado em português como Antes que Anoiteça) é um livro autobiográfico de autoria do escritor cubano Reinaldo Arenas, escrito no exílio, quando o autor já estava gravemente doente. Publicado em 1992, o livro relata as transformações sociais em Cuba antes e depois da revolução de 1959. Perseguido por ser homossexual e não concordar com as regras para a produção cultural revolucionária na ilha, Arenas pretendeu escrever uma crítica à ditadura castrista.
Foi adaptado para o cinema em 2000, e seu autor foi interpretado por Javier Bardem — papel que lhe valeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator.)
Carmen Sigüenza. 3- Este texto a seguir foi originalmente publicado no Facebook, mas como meus seguidores do Blog não são necessariamente da rede social e ainda para dar mais elementos sobre a grandeza da obra de Ken Russell, deixo ele gravado aqui. Amor Esculpido de Forma Selvagem “O Messias Selvagem” (1972) de Ken Russell
Num período que antecede a primeira guerra mundial, Henri Gaudier (Scott Anthony) é um talentoso escultor de apenas 18 anos que vive na capital francesa, onde conhece a encantadora Sophie Brzeksa (Dorothy Tutin), uma mulher que almeja ser escritora, já bem madura, com aproximadamente o dobro da idade dele. Perdidamente apaixonado, o rapaz inicia um relacionamento platônico e emocionalmente intenso com a senhora polonesa. Ela começa a influenciar os trabalhos e a vida do artista, até que ambos decidem partir para Londres em busca de reconhecimento para suas obras, além da sobrevivência propriamente dita, seja como for. Baseado no livro de mesmo nome de H. S. Ede, temos um autêntico filme autoral de Ken Russell. Por ele, a relação sairia do platonismo, mas ela não quer. Diz que só se casará com ele, depois que for montada uma ampla exposição com sua obra. Temos aqui as extravagâncias que aparecem em muitos filmes do diretor/autor (uma das exceções é o clássico “Mulheres Apaixonadas" (1969), um filme relativamente plácido embora haja emoções turbulentas), mas estas têm muito a ver com a mente fervilhante de Henri. Há como um equivalente visual e sonoro para as grandes inquietações deste jovem e iconoclasta artista, já com falas messiânicas, “definitivas”, sobre arte e vida. Mas Ken Russell é um cineasta bastante polêmico. Onde enxergo explosões de criatividade, como as sequências ao ar livre com Henri montado em estátuas, no Louvre sobre uma enorme escultura, lançando panfletos, ou até mesmo catando flores caídas numa linha de um trem que se aproxima etc, outros podem ver histeria narrativa. Nem só de neo-realismo, realismo, naturalismo e afins deve viver o Cinema. Fantasias de toda ordem, que não precisam ser escapistas (tendo muito o que dizer ) são muito bem vindas. Num plano maior temos filmes de Fellini. Num tom menor os de Tim Burton, Terry Gilliam, Serguei Paradjanov, alguns de Spielberg e o que está em questão: Ken Russell. Todos com seus universos bem particulares, autorais. Do que chegou até a mim, em termos de fortes fantasias integradas magnificamente às histórias, os pontos mais elevados de Ken Russell são o barroquíssimo “Os Demônios” (1971), com freiras histéricas de desejo pelo sacerdote Grandier ( Oliver Reed ), principalmente a irmã Jeanne ( Vanessa Redgrave), atribuindo-se tudo, comodamente, às artes do demônio e o lisérgico “Tommy” (1975), transposição da ópera rock homônima do The Who, com Roger Daltry como o protagonista. Mas Ken tem filmes bastante apreciáveis como “Delírios de Amor” (1970) onde Tchaikovsky (Richard Chamberlain), além dos seus tormentos interiores, sofre forte bulllyng da mulher Antonina ( Glenda Jackson) pela sua homossexualidade. Assisti “O Messias Selvagem” em DVD da Magnus Opus (DVD Vídeo), comprado pelo Mercado Livre. A qualidade da imagem é muito boa. As legendas aparecem nos momentos certos. Pena que não tenham feito boa revisão: há muitos erros de concordância e gênero. Mas nada que impeça a fruição deste filme raro, que se não é uma obra-prima como “Mulheres Apaixonadas”, “Os Demônios”, é muito bom. As sinopses apresentadas não correspondem bem ao que vemos pois Sophie, ao modo dela, também tem sua “selvageria”. Não é propriamente nenhum exemplo de equilíbrio. O que acontece é que tudo se passa como se dois “desequilibrados”, à margem da sociedade, juntos, se equilibrassem.
1- Imagens de Um In (Consciente) Místico: Andrei Tarkovski e Terrence Malick Revi recentemente em DVD “Andrei Roublev” (1966), “Solaris” (1971) e “Stalker” (1979), todos de Andrei Tarvovski, ainda realizados na Rússia, antes de se exilar na Europa, onde realizou as ficções “Nostalgia” (1983) na Itália e “O Sacrifício” (1986) na Suécia. Vide comentários meus após Sinopse, Trailer e Créditos dos três filmes, itens importantes para navegação dos leitores em minha postagem.
Mais ao final do post, capitulo 2, tem-se links para quem quiser ver os filmes no Youtube, em HD, legendados em português, bem como matérias@afins publicadas que considerei pertinentes. Neste capítulo 2 temos como que um Dossiê Tarkovski e Terrence Malick, que cada leitor pode aproveitar de acordo com seu interesse e tempo.
No capítulo 3 tem-se filmes adicionais que, ao seu modo, tratam de transcendência pela religiosidade, que podem ser vistos integralmente no Youtube. Existe muitos spoilers comentados no que escrevi (nos dossiês idem), para que a postagem ganhe o sentido que quero dar. Mas acredito que dado a enorme força da experiência estética, emocional, existencial e metafísica que é assistir um filme de Andrei Tarkovski e Terrence Malick, spoilers mesmo fortes, não atrapalhem o grande prazer da fruição de suas obras, principalmente porque suas imagens criadas são, a rigor, indescritíveis. Só as vendo e sentindo, se maravilhando. Stanley Kubrick tinha uma ideia bastante radical, mas discutível sobre o que era Cinema, que cumpria perfeitamente suas inúmeras obras primas. Para ele um verdadeiro filme jamais poderia ser transformado em espetáculo teatral. Mas podemos citar várias obras que viajam magnificamente bem nestas duas linguagens, como “Doze Homens e Uma Sentença” (1957) e “Longa Jornada Noite Adentro” (1962) de Sidney Lument, ”, “Cabaré” (1972) de Bob Fosse, “Sonata de Outono”(1978) e “Cenas de Um Casamento” (1973) de Ingmar Bergman”, “Os Rapazes da Banda” (1970) de William Friedkin, “Miss Julie”( 2014) de Liv Ullman, dentre tantas outras obras. O fato é que nestas transposições de linguagens, sendo bem concebidas, haverá ganhos e perdas. Já os filmes de Tarkovski e Malick satisfazem à perfeição as ideias de Kubrick, pois eles criam imagens muito pessoais e especiais. Em espetáculos teatrais teríamos apenas os esqueletos precários dos seus filmes. Isto não quer dizer que com obras de outros grandes cineastas, isto também não aconteça, mas com estes dois, uma transposição ao teatro é algo ainda mais inviável. 1- “Andrei Roublev”
Sinopse A vida de Andrei Rublev, o grande pintor de ícones da Rússia do século XV, um período de intensa turbulência e também de diversas dificuldades pelas quais passavam o povo russo. Na época o país sofria com a pobreza, a rigidez da igreja ortodoxa e também as invasões tártaras. Nesse cenário caótico, estão inseridos os diversos episódios da vida de Andrei, que mais tarde abandonaria seu trabalho como pintor, para se dedicar a Deus. Fonte: http://www.adorocinema.com/filmes/filme-88396/ http://www.adorocinema.com/filmes/filme-88396/creditos/ - Créditos https://www.youtube.com/watch?v=8N5oiRPxUJ0 Andrei Rublev – Trailer
2- “Solaris”
Sinopse O famoso psiquiatra Kris Kelvin (Donatas Banionis) vai à estação espacial Solaris com uma importante missão científica: decidir se o trabalho realizado de investigação sobre um misterioso planeta deve continuar. Ao chegar à estação, Kelvin já é surpreendido pelo suicídio de um dos integrantes da tripulação, sendo que outros dois, Snaut (Jüri Järvet) e Sartorius (Anatoli Solonitsyn), estão à beira da loucura. Com o tempo o próprio Kelvin passa a se sentir estranho, tendo transes oníricos, onde vê sua ex-esposa Hari (Natalya Bondarchuk), falecida há anos. Fonte: http://www.adorocinema.com/filmes/filme-1414/ http://www.adorocinema.com/filmes/filme-1414/creditos/ - Créditos https://www.youtube.com/watch?v=_8nBWb50g1A Solaris- Trailer
3- “Stalker”
Sinopse Em um país não nomeado, a suposta queda de um meteorito criou uma área com propriedades estranhas, onde as leis da física e da geografia não se aplicam, chamada de Zona. Dentro da Zona, segundo reza uma lenda local, existe um quarto onde todos os desejos são realizados. Com medo de uma invasão da população em busca do tal quarto, autoridades vigiam o local e proíbem a entrada de pessoas. Apenas alguns têm a habilidade de entrar e conseguir sobreviver lá dentro, são os "Stalkers". Um escritor e um cientista querem entrar e contratam um stalker para guiá-los lá dentro. No caminho até o quarto, vão passar por rotas misteriosas e muitas vezes, mutáveis. Fonte: http://www.adorocinema.com/filmes/filme-702/ http://www.adorocinema.com/filmes/filme-702/creditos/- Créditos
Ingmar Bergman declarou que Andrei Tarkovski era o maior de todos os cineastas. Diz que passou a vida tentando criar imagens como o grande mestre russo idealizou. Mas só conseguiu poucas vezes. Assim, neste sentido, fracassou em sua arte. Mas não poderia ter sido diferente. Mais do que concepção do que seria o Cinema (para Bergman, “a arte de esculpir o tempo” segundo Tarkovski, não o levou a ter tantos longuíssimos planos sequências em sua cinematografia, como comparece nas obras do cineasta russo), o que mais os diferencia é a visão de mundo. Tarkovski era um grande místico. E Bergman estava longe de ser, tendo em muitas obras tematizado o silêncio de Deus, fazendo um grande ajuste de contas contra o pai pastor luterano, que tinha sido bastante tirano, ao ponto de que quando estava muito doente, a mãe insistiu para que ele fosse ver o pai, mas Bergman se recusou definitivamente. Anos depois, na arte, ele se reconcilia, num certo nível subterrâneo, com o pai. O protagonista de “Da Vida das Marionetes” (1980) Peter, que matou uma prostituta, num ato psicanalítico de substituição, em vez da mulher ( desejo que aparecia muito em seus sonhos/pesadelos ), também teve forte estremecimento com o pai, a ponto de não querer atender o forte pedido da mãe para ir vê-lo doente. Mas com certo tempo, acaba reconsiderando. O que Bergman não fez em sua vida. Em “Solaris” de Andrei Tarkovski, o ponto culminante e mais comovente da obra é o reencontro de Kevin com o pai, ajoelhando-se diante dele, num plano-sequência magnífico, onde chove dentro da casa no campo, mas fora não. Isto faz todo sentido porque este pai ao qual o psicólogo e astronauta Kevin , antes bastante cético, se volta, pode ser uma metáfora de Deus. E explica-se o que seja mesmo o planeta Solaris: a consciência humana, o mundo interior e não o exterior.
Ao fim temos o Planeta Solaris com suas águas revoltas, suas bolhas, que interferiram no íntimo de todos os que quiseram com ele estabelecer contato. O filme nos passa uma noção clara de que “não precisamos de outros mundos, precisamos de espelhos”, como vem do livro homônimo de origem do escritor polonês Stanisław Lem. Não há sentido no progresso, se para tal precisamos esconder as misérias do passado.
Já em “Stalker”, depois de toda as experiências/trajetórias mutáveis na Zona proibida, pela qual passam o Cientista/Professor, o Escritor e o Stalker ( que lhes ensina os caminhos para algo que eles nem sabem bem o porquê querem conhecer, podendo-se dizer que o escritor queria resolver crise de criatividade), chegando ao lugar chamado Quarto, onde os desejos todos poderiam ser satisfeitos, o impulso destes que foram guiados com tantos sacrifícios de todos, é de destruição e não de comunhão. O Stalker vai desabafar com a mulher, amargurado, que os dois perderam “o órgão da fé”, são pessoas de alma vazia e lamenta que não vai convencer mais ninguém a percorrer os tortuosos caminhos até o Quarto, mesmo com o privilégio anunciado de materializar desejos. Mas o filme, ao final, ainda nos reserva uma sequência bastante simples de magia, mas bastante significativa, envolvendo a filha do casal, o Stalker e sua mulher, que tem problemas nas pernas depois que caiu o meteorito deflagrador de tudo.
Numa mesa, com o olhar perdido, numa sequência bem lenta, com o “tempo sendo esculpindo”, ela vai movimentar copos. Aqui soa como uma epifania. Os efeitos especiais são bem simples, mas os significados metafísicos são fortes e belíssimos. Em filmes de Bergman, sequência assim não faria sentido. E isto, não é nenhum demérito a Bergman, cineasta de quem mais gosto, disparado. É uma questão de diferenças fortes de visão de mundo. Os efeitos especiais são os mais singelos, mas é tudo emocionalmente bem forte, suplantando muitas coisas que se vê nas telas hoje, que se faz com computação hoje, no que provoca no espectador, dado que é decorrência de muito do que se viu antes. A criança com sua cinestesia representa o mágico da vida que se quer rejeitar. Os personagens, que tem visões de mundo bem distintas da massa, como o guia Stalker, o pintor de ícones medievais Andrei Rublev e o psicólogo astronauta Kevin modificado pelas experiências com o planeta Solaris, podem ser tidos como alter egos de Tarkovskvi. Alter egos de Bergman são de outras falanges. Andrei Roublev por ter matado um homem (mesmo que tenha sido para defender uma mulher de estupro), tendo presenciado horrores na vida, principalmente os praticados por invasão de tártaros ateus, não se permite mais criar seus ícones religiosos. Andrei Roublev foi um cristão que sofreu bastante sob o poder vigente e da Igreja Ortodoxa. Pode-se fazer uma aproximação com Fiódor Dostoiévski: ambos podem ser tidos como cristões torturados, segundo desenvolve Virginio Santa Rosa em “Dostoievski, um Cristão Torturado” (1980). É o encontro de Andrei com um jovem, Boriska, filho de um fabricante de sinos que morreu, que fabrica também, depois de muitas dificuldades, um sino para uma comunidade, com visita de poderosos que não lhe dão valor, um jovem que não recebeu ensinamentos do pai ( o que ele acaba confessando, dolorosamente), é este caldo de emoções humanas, que fará o monge mudar de ideia e voltar a construir suas pinturas sagradas icônicas. O filme que até então era em preto e branco deslumbrante, passa a um maravilhoso colorido, apresentando obras da vida de Andrei Rublev mesmo, em momentos de grande epifania cinematográfica. “O epílogo é a única parte do filme em cores e mostra detalhes de vários anos, mas ainda vibrantes, de vários ícones reais de Andrei Rublev. Os ícones são mostrados na seguinte ordem: Cristo Entronado, Doze Apóstolos, Anunciação, Doze Apóstolos, Jesus entrando em Jerusalém, Nascimento de Cristo, Cristo Entronado, Transfiguração de Jesus, Ressurreição de Lázaro, Anunciação, Ressurreição de Lázaro, Nascimento de Cristo Trindade, Arcanjo Miguel, Paulo Apóstolo, Redentor. A cena final cai em cruzada dos ícones e mostra quatro cavalos de pé junto a um rio na chuva”- Fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/Andrey_Rublev Como amostras de obras de Andrei Rublev veja : https://br.pinterest.com/pinturadoauwe/andrei-rublev-e-suas-pinturas-~-bizantino/ Andrei Rublev e suas pinturas ~ Bizantino Outras pinturas: encurtador.com.br/pwFV3 “Andrei Roublev” conforme diz um colaborador nos extras do DVD, está em grandeza para a História do Cinema, assim como os romances de Dostoiévski e Tolstói estão para a História da Literatura. Os extremos se tocam. Eis o que nos informa extrato do Wikipédia: “Ao retornar da expedição em 1954, Tarkovski começou a estudar no conceituado Instituto Estadual de Cinematografia VGIK no curso de direção de cinema. Ele estava na mesma classe de Irma Raush com quem se casou em abril de 1957. No início da era Khrushchov, fora oferecido oportunidades únicas para jovens cineastas. Antes de 1953, a produção anual de cinema tivera sido baixa e a maioria dos filmes foram dirigidos por diretores veteranos. Depois de 1953, a produção de filmes aumentou e os jovens diretores ganharam espaço. Khrushchov aliviou as restrições sociais soviéticas e permitiu um pequeno fluxo de literatura, filmes e música europeia e norte-americana para dentro da URSS. Isto permitiu que Tarkovski visse filmes como do Neo-Realismo italiano, Nouvelle Vague francesa, e de diretores como Kurosawa, Buñuel, Bergman, Bresson, Andrzej Wajda (cujo filme Cinzas e Diamantes foi de grande influência para Tarkovski) e Mizoguchi.” – Fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/Andrei_Tarkovski Assim como a extrema direita hoje no Brasil, no poder, capitaneada por Jair Bolsonaro, destruiu o Ministério da Cultura, cortou patrocínios históricos, ameaça a existência de Festivais fundamentais como o Festival Internacional de Cinema do Rio de Janeiro para 2019, paralisou a Ancine, quer levá-la do Rio de Janeiro para Brasília e outros sacos de maldades, quer até controlar descaradamente o conteúdo dos filmes, tendo que ser obras “que não abalem a família brasileira” (sic) (se não puder fazer isto, Bolsonaro ameaça acabar com a Ancine, diz descaradamente), ..................... durante o stalinismo, de extrema esquerda, a Cultura como lemos no trecho selecionado, era bastante controlada, sendo que somente a partir da era Khrushchov veio à tona o que de melhor havia sido feito de Cinema e Literatura no Ocidente, tanto quanto os crimes cometidos por Stálin, matando muita gente em processos de coletivização forçada e com seus expurgos. Vide capítulo 2, itens 19 e 20, para detalhes. Até mesmo intelectuais como Jean Paul Sartre se recusaram a acreditar no Relatório Khrushchov sobre os crimes de Stálin. Já Albert Camus logo saiu do Partido Comunista Francês e teve que romper sua amizade de anos com Sartre. No Brasil de hoje ainda temos pessoas de esquerda que acreditam nas “boas intenções” do regime chavista de Maduro e na revolução cubana castrista. Guilherme Boulos, enquanto candidato à presidência em 2018 pelo PSOL, reiterou numa entrevista à Jovem Pan ( para um historiador/jornalista Marco Antonio Villa, que ficou estarrecido e repetiu a pergunta), que considerava tanto Cuba como Venezuela, países com regime democrático. Tanto um Bolsonaro quanto um Stálin sentem seus poderes ameaçados por Cultura, por um povo que aprenda a pensar por sua própria cabeça. Daí todo dirigismo que querem ter. Sob o stalinismo não se tinha um Estado Laico, mas sim um compulsoriamente ateísta. Tanto Andrei Tarkovski, como o ainda mais perseguido Serguei Paradjanov- Vide item 21 do Capítulo 2 (de “A Cor da Romã” (1968), dentre outros grandes filmes ), ainda mais por ser homossexual, com suas obras, se insurgiam contra este estado das coisas.
Daí terem sido bastante perseguidos, com filmes proscritos e muitas dificuldades para realizar suas obras. Mas estas estigmatizações extrapolavam a questão religiosa. O que autoridades não suportavam era liberdade criativa total que estes cineastas almejavam, fora de qualquer cânone do realismo socialista. Fidel Castro também impôs um estado ateísta. Até mesmo a Santeria (o Candomblé cubano) foi marginalizado, com cerimônias sendo realizadas de forma secreta durante anos. Não sei a situação hoje. No filme cubano “Numa Escola em Havana” ( 2014) de Ernesto Daranas Serrano, a professora negra Carmela ( Aline Rodrigues ) que já está tendo grandes problemas com a direção e o conselho de classe, por dar atenções especiais, procurando entender as causas do menino problema Chala ( Armando Valles Freire ), cai de vez em desgraça e é aposentada, por defender o direito de uma aluna colocar num quadro um santo cristão. Ela comenta que entende bem este desrespeito, pois também é desrespeitada em sua ancestralidade. O filme desmonta mitos sobre ausência de racismo e qualidade de ensino na ilha, assim como de tolerância.
Cheguei a ler entrevista com um escritor negro cubano exilado, que não pode voltar a Cuba sem problemas. Nela, ele confirmava tudo o que nos mostra “Numa Escola de Havana” e afirma categoricamente que os negros sofreram preconceito sob Fidel.
Mas voltemos à arte, que mais do que nunca se mostra um bálsamo para a alma, mesmo com temáticas fortes e complexas, ou justamente por isto mesmo, por poder abordar com bastante poesia. Mimetização pura e simples da realidade, não é arte. Deve haver alguma forma de transcendência. No cinema americano temos o caso do genial Terrence Malick, um cineasta deísta, também afeito a questões metafísicas e com uma criação de um universo áudio- visual único, autoral, onde o auge de criatividade até agora está na grande obra-prima, premiada com a Palma de Ouro em Cannes, “A Árvore da Vida”(2011).
Em três tempos paralelos temos contadas a história do universo a partir do Big Bang ( da formação dos primeiros seres vivos, passando pelos dinossauros etc ); de uma família, os O’Brien, Brad Pitt ( brilhante) e Jessica Chastain ( comovente em sua dor e certa inocência), que perdeu um filho, sendo o pai bastante autoritário, gerando conflitos, em especial com o pequeno Jack que chega a pedir aos céus a morte do pai e enfim, no presente, o filho Jack adulto ( Sean Penn), que se desentendeu bastante com o pai e está bastante deslocado no mundo, sendo um arquiteto, imerso em ambientes modernos bastante opressivos, bem distante do contato com a natureza na infância, que se sente culpado dos sentimentos bastante negativos que nutria pelo pai e de uma relação que tornou-se fria e distanciada. Um portal irá se abrir e, numa sequência das mais deslumbrantes do filme e do Cinema, Jack vai encontrar e se reconciliar com os pais, junto aos irmãos, incluindo o que tinha morrido e até consigo mesmo pequeno, que é visto enquanto garoto.
Ouso afirmar que Jack seria o alter ego de Terrence Malick neste filme preparado por décadas. O filme pode desconcertar muito os espectadores, pois embora seja claramente obra de um diretor deísta, ele aponta para várias religiões, mas não fecha com nenhuma. Malick não nega o Big Bang, a evolução das espécies, mas como excelente professor de filosofia que também foi, sabe que isto tudo é apenas uma face da moeda. Existe um princípio organizador para isto tudo. Chamemos para simplificar, de Deus, nos diz.
É bom lembrar que se Cabala quer dizer Árvore da Vida, ela não comparece somente na religião judaica e sim também em várias outras. E ainda há os judeus cabalistas (como o rabino pop Nilton Bonder), que acreditam em reencarnações, e os não cabalistas, que não creem nestas voltas.
Minha trajetória de vida, caminhando do niilismo ao deísmo, se explica por várias leituras, filmes, peças e muitas experiências vividas, principalmente com o candomblé. Explicar satisfatoriamente tudo isto, escapa ao escopo de uma postagem.
Adianto, entretanto, que algo que poderia ter desenvolvido foi mediunidade de escrita, mas fiz outras opções, pois teria de me dedicar muito, não me vi com a vocação e devoção de uma pessoa admirável como Chico Xavier, que com os ensinamentos recebidos de Allan Kardec ( que também os recebeu, decodificando a doutrina Espirita), psicografias dos espíritos André Luís e Emmanuel, dentre outros, escreveu uma quantidade fabulosa e espantosa de livros, além dos trabalhos sociais que fazia e das cartas psicografadas que trazia para famílias, com processos de elaboração de luto, principalmente. Tudo isto, vivendo uma vida bem simples, aprendendo a viver com o que se precisava, conforme gostava de dizer. Um charlatão ( e estes existem, não tenham dúvidas ) poderia ter ficado milionário. Sobre estes temas religiosos que me mobilizam, vejam os filmes com links no capítulo 3, disponíveis integralmente no Youtube. A presença de "Nise: O Coração da Loucura" (2015) de Roberto Berliner correlaciona-se ao fato de haver mandalas do Inconsciente Coletivo de Yung em grande evidência ( o que o aproximou bastante do trabalho de Nise ); à questão de que podemos enxergar os orixás do Candomblé como fazendo parte de um Inconsciente Coletivo e contando-se ainda com o caso de que dentre os terapeutas mais conhecidos e influentes, o que mais se aproximou das questões religiosas, em termos de estudo, foi Yung.
“A Árvore da Vida” assisti nos Cinemas três vezes e ainda o reverei em DVD em casa. Já os três de Tarkovski, antes vistos na tela grande, agora revistos em DVD, apresentaram muitas surpresas, sinal da riqueza de significados que estas obras propõem.
3- https://www.youtube.com/watch?v=aIKYFT75vbc “As Cartas Psicografadas de Chico Xavier”, Documentário de Cristiana Grumbach- Filme Completo em HD (parte 1 e 2- 2010) 4- https://www.youtube.com/watch?v=5l7afy2e-8A “Nise- O Coração da Loucura” (2015) de Roberto Berliner -Filme Completo em HD. 5- https://www.youtube.com/watch?v=ZWhu22aDzos “Baraka” (1992) de Ron Fricke Terapeutas de Chile Documental filmado en 24 países que narra, en términos eminentemente visuales, aurales y musicales, la evolución de la Tierra y de la Humanidad, al mismo tiempo que señala las formas en que el ser humano se ha relacionado con su medio ambiente. La aparente fragilidad de la vida humana es contrastada con la grandeza de sus obras, al mismo tiempo que se subraya la desigual relación entre hombre y naturaleza. En medio de estos contrastes, la espiritualidad de la humanidad surge como el elemento más importante que la distingue de otras especies. En pequeños fragmentos muestra religiones, tribus, culturas enteras, lo que la hace interesante. http://www.terapeutasdechile.cl/
